中国の水墨画風で描く絵本

水墨画の「水墨」は、文字どおり「水と墨」です。背後にあるのは、ひとつの流派ではなく、何世紀にもわたる、方向のとても違う伝統です。丁寧に組み上げた風景もあれば、すばやく省略した筆づかいもあります。そのため、「中国の水墨画」とひとくくりに言うと、いつも単純にしすぎることになります。このページでは、3つの時代の3人の画家を挙げ、私たちの絵が何に寄りかかっているかを説明します。

素材の説明は簡単です。墨は、すすと膠を固めて棒状にしたものです。描くときは、少しの水とともに硯でするので、硯は液体の墨をためておく場所にもなります。水の量で色の濃さが決まります。水が多いほど淡く、少ないほど深い黒になります。ここに筆と紙が加わり、墨、硯と合わせて、書斎の「文房四宝」と呼ばれます。1本の線の中にも濃淡が生まれます。濡れた筆は、先に向かって墨を薄めるからです。

中国では、絵と書は手を取り合って発展し、道具を分け合っています。筆の運びから、見る人は描いた人の人柄や姿勢を読み取ります。それがとくにはっきりするのが元代（1279年から1368年）です。モンゴルによる征服のあと、多くの有力な文人が官職を離れ、詩をつくり、絵を描きました。彼らは、書と同じように絵も人そのものの表れと考え、画面に詩句を書き入れることもよくありました。詩、書、絵は、文人文化の「三絶」と呼ばれました。

宋代（960年から1279年）には、郭熙が宮廷画家として活躍しました。1072年の『早春図』（Early Spring）は、質感を表す皴（しゅん）で力強い山を積み上げ、雲に包まれています。元代には、倪瓚（1301年から1374年）が、淡い色調、かすれた筆、少ないモチーフで風景を描き、そこでは余白も語っています。余白は、実際の描き方にも使われました。水や雪は、その面を描かずに残し、まわりだけを描いて表すことがよくあります。

斉白石（1864年から1957年）は20世紀を代表します。農家の出身で、えび、ひょうたん、かえる、田舎の暮らしの道具を、少ないすばやい筆づかいで描きました。私たちの絵は、そこからいくつかの特徴を受け取っています。墨の濃淡、かすれた筆跡と濡れた筆跡、水や霧としての余白です。これは今の絵本への自由な置き換えで、この絵画の再現ではありません。文字や印章は含みません。